香港ファッションウィークが他と一線を画す理由

ファッションウィークを巡る対話は、デザイナーの交代劇、新人デザイナーのデビュー、新クリエイティブ・ディレクターによる初のコレクションといった、お決まりの展開に落ち着いているようだ。全ての視線はラグジュアリーメゾンに注がれる。彼らは来シーズン、買い物客を店舗に走らせるような魔法をかけるのか、かけないのか。新しいデザイナーは救世主となるのか、破壊者となるのか、それともブランドを凋落させるのか。そして必然的に、評論家たちは何を語るのか。

そして、ニューヨーク、ロンドン、ミラノ、パリの4大ファッションウィークの最終幕を告げる時計の鐘が鳴ると、我々はファッションウィーク、あるいは少なくともファッションフェスティバルのシーズンが、月の初めに香港で始まっていたことを都合よく忘れてしまう。

今年で3回目を迎える香港ファッションフェストは、独自の形を築き始めている。そして、おそらくそれがこのイベントの最も興味深い点であろう。 香港は、伝統的なファッションウィークとは異なる方式を選択した。エディターやバイヤーがショーからショーへと駆け回り、次の黒塗りのSUVに消えていくというお馴染みの光景は少ない。もちろん、キャットウォークでのコレクション発表やプレゼンテーションは今も存在し、売買がビジネスの根幹であることに変わりはない。香港貿易発展局が設立した貿易プラットフォームである「セントラルステージ（Centrestage）」も、その方程式の重要な一部であり続けている。しかし、ファッションフェストはより広範な試みを行っている。それは、ファッションを一連のランウェイのアポイントメントではなく、文化的・商業的なエコシステムにすることである。

これまでのところ、その試みは順調だ。

パリ、ミラノ、ロンドンを模倣することは、高コストでやや無意味な試みであろう。香港はそうする代わりに、アジアのデザインと文化のハブとして自らを位置づけ、ファッションを小売、製造、サステイナビリティ、テクノロジー、アート、そして重要なことにビジネスと結びつけている。

その違いが重要だ

伝統的なファッションウィークは、主にコレクションを中心に構築されている。一方、香港はコレクションの前後に何が起こるかに関心があるようだ。どこで作られ、誰が買い、どのように伝えられるのか。デザイナーはどこで生地を手に入れ、小売業者は顧客とどう対話するのか。そして、その顧客がハンドバッグにプリントされた西洋のラグジュアリーロゴにもはや特に感銘を受けなくなったとき、何が起こるのか。

2026年のファッションフェストでは、クチュールやメンズウェアから、サステイナビリティ、デニム、貿易、市内全域でのリテール活性化策まで、市内で8つの主要プログラムが開催された。300以上の国内外のデザイン関連団体が参加する予定で、フェスティバルは意図的にセントラルステージと同時期に開催され、アジアのファッション関連活動が2週間という期間に集中的に行われた。

これは非常に香港的なアプローチである。全てを繋ぎ、何が定着するかを見極め、都市そのものを会場にするのだ。

野心は単に服を売るだけに留まらない

香港が東洋と西洋が出会うファッションハブであるという主張には重要な根拠がある。それは単に地理的に便利な言葉というだけでなく、この都市がデザイン、金融、小売、製造という非常に有用な交差点に位置しているからだ。香港および中国本土における可能性は依然として大きい。ビジネスを行い、革新を起こす場所であり、西ヨーロッパの多くとは異なり、大規模な製造インフラと洗練されたサプライチェーンへのアクセスも依然として有している。

国際的なブランドにとって、この市場を理解することは、はるかに複雑になっている。中国の消費者は何十年もの間、ロゴからヨーロッパの伝統、そして誰もがヴァンドーム広場を歩く人のように服を着たいだろうという、かなり大雑把な想定に至るまで、西洋的なラグジュアリーの幻想を売り込まれてきた。

そのアプローチは時代遅れになった。

旧正月キャンペーンで、たとえ美しく撮影されていても、赤い提灯と龍をいくつか登場させるだけでは、もはや文化的な理解を示すことにはならない。消費者はより洗練され、多くの情報に触れ、あからさまな表現にはあまり感銘を受けなくなっている。問題はもはや、西洋のブランドがどのようにして中国に販売できるかということだけではない。いかにして中国を理解できるかということである。

そして、中国はますます多くの独自の答えを持つようになっている。香港も確かにそうだ。

この地域では、多くの若手デザイナーが独自の方法で活動している。香港の「Tigerstrolling」はその一例だ。彼らは、国際的なファッション教育と経験を吸収した後、故郷に近い場所で独自の表現方法を確立する世代の一員である。例えば、ファン・フイ（Phan Huy）は、国際的なファッション界で活動しながら、ベトナムのシルク、刺繍、クチュールの技術を中心とした活動を築いている。今年の「Virtuose」では、彼の作品はスペインのギジェルモ・デシモ（Guillermo Décimo）や、同じく香港のTigerstrolling、ヴィヴィアン・ルク（Vivian Luk）の作品と並んで展示された。

成功するために故郷を離れる必要がないことには、ある種の解放感がある。

アメリカのデザイナーが、すぐにパリにショールームを開く必要性を感じることなく大きなビジネスを築けるのと同じように、アジアのデザイナーも、市場、製造、素材、人材、そして消費者がすぐそばにいる。香港や中国本土は、必ずしも西洋への足がかりではない。それ自体が目的地となり得るのだ。

都市そのものがクリエイティブな風景の一部に

イベントは美術館、展示スペース、ホテル、ギャラリー、コンベンションセンター、デパート、ショッピングモールなど、多岐にわたる場所で開催された。ファッションは、いつもの顔ぶれが集まる業界内の閉鎖的な世界に閉じ込められてはいなかった。ファッションフェストが最も興味深いのは、この点を理解しているときである。つまり、ファッションウィークは必ずしもファッションウィークのように見える必要はないということだ。

ハーヴェイ・ニコルズ パシフィックプレイスでは、「Wear’s HK」イニシアチブが香港の新進デザイナーをリテール環境に迎え入れ、人々が実際に服に触れ、購入できる機会を提供した。この広範なプログラムは、Harbour City、IFC Mall、Hysan Place、Festival Walk、香港国際空港を含む6つのショッピングおよびファッション施設で展開され、約20人の地元デザイナーと市内の消費者を結びつけた。

これは単純なアイデアだが、重要なことだ。ファッションがより多くの観客を求めるなら、人々が実際にいる場所にそれを置くべきである。

全てのポップアップが同じように成功したわけではないかもしれない。スペースの制約に苦しんだものもあれば、一等地ではなく、モールのあまり目立たない一角に割り当てられたように感じられるものもあった。しかし、その意図は正しかった。ファッションフェストは、ファッション業界関係者以外にもファッションを可視化しようと試みていたのだ。

香港ファッション協議会が主催し、文化体育及旅遊局傘下の文化芸術盛事基金が後援する「香港ファッションフェスト・ガラ」は、ファッション、ビジネス、政府、クリエイティブ業界のリーダーたちを一堂に会した。このイベントには「注目すべきアジアのデザイナー10人」のプレゼンテーションも含まれ、ファッションとより広範なクリエイティブ経済との出会いの場として企画された。

これらのイベントを単なる業界の会食として片付けるのは簡単だ。そして、確かにファッション業界には集まりが不足したことはない。しかし、その根底にある考えこそが重要なのである。香港がファッションを単なるイメージではなく、産業として機能させたいのであれば、それに資金を提供し、製造し、販売し、規制する人々が同じ部屋にいる必要がある。また、世界の他の地域が悲観的なムードに包まれる中、たまには成功を祝うことも良いことだ。

ある円卓会議では、ラグジュアリーブランド、アジアの小売業者、地元のプレーヤーが直面する課題に話が及んだ。ブランドが顧客とどのように対話するかは、今やコレクションそのものと同じくらいダイナミックであることが明らかになった。

ヨーロッパでコレクションを作り、ヨーロッパで撮影し、有名人を起用してアジアで売るという古い方式は、もはや十分ではない。中国の消費者は、ロゴや西洋的な着こなしを押し付ける西洋ブランドにうんざりしている。ある時点で、ラグジュアリーがどのようなものかを教えられることは、自分で決められるようになると、あまり面白くなくなるのだ。

新世代

ここで特に興味深いのが若い世代である。彼らは方程式の両方の側面と共に育ってきた。彼らはパリとロンドンを知っている。TikTokおよび小紅書（Xiaohongshu）を知っている。ヨーロッパのラグジュアリーと中国の製造業を知っている。彼らはファッションの華やかさだけでなく、その裏にある仕組みも理解しているのだ。

サラ・ソッツァーニ・マイノ（Sara Sozzani Maino）による展覧会「Future Threads: Menswear’s New Waves Between Italy and Hong Kong」は、その東西の対話を特に具体的に示した。イタリアファッション評議会の国際新人・ブランドアンバサダーとして、マイノはイタリアとアジアの新進メンズウェアを結びつける展覧会をキュレーションし、2027年春夏コレクションを用いて、二つのファッション文化間の変化する関係性を探求した。

興味深い点は、単にイタリアとアジアのデザイナーを並べたことだけではない。それは、対話がもはや一方通行ではないという示唆であった。長年、西洋は製造のためにアジアへ行き、デザインのために本国へ帰っていた。その分業体制は、ますます維持が困難になっている。

香港の新進デザイナーはまた、確立されたファッションの中心地では見つけるのが難しいもの、つまり「機会」から恩恵を受けている。

ここには、既成のラグジュアリーメゾンが少なく、競争の層も薄い。そして、おそらく最も重要なことに、公的機関および業界からの支援ネットワークが存在する。文化体育及旅遊局傘下の文化芸術盛事基金は、香港ファッションデザイナーズ協会や香港貿易発展局といった組織と共に、そのインフラの重要な一部となっている。

その支援が機会を生み出す。しかし、それは同時に些細な問題も生み出す。なぜなら、香港ファッションフェストが時折期待に及ばない点があるとすれば、それはイベント自体の形式にあるからだ。

香港では、政府関係者やスポンサーが資金を提供するほぼ全てのイベントで開会の辞を述べるのが慣例となっている。ファッションフェストでは、それがほぼ全てに当てはまる。そして、誰かが実際に何かを発表する前に、全てのスポンサー、スピーカー、要人の写真撮影が行われる。

これは少々退屈だ。

シャネルがパリでショーを行うとき、CEOのリーナ・ナイール（Leena Nair）がモデル登場前にスピーチをする必要はない。ケリングの役員が、ショーの実現に貢献した全ての人々と個別に写真撮影をする必要もない。ファッション業界は、時には自信を示す最善の方法が、単にショーを始めることであることを理解している。

もちろん、政府関係者がファッションに関心を持ち、支援し、真剣に参加する姿を見るのは、純粋に素晴らしいことである。多くのヨーロッパの都市では、政治家は写真撮影と義務的な握手のために現れ、その後姿を消すことがよくある。香港の当局者は、ファッションが積極的に発展させる価値のある経済的・文化的産業であることを理解しており、その成功の鍵を握っているようだ。

しかし、ファッションには少しの自発性、少しの型にはまらない自由さ、そして少しのクールさも必要だ。過剰な儀式は、その場の活気を奪いかねない。

上海を拠点とするコミュニケーションおよびクリエイティブストラテジスト、ボーハン・チュウ（Bohan Qiu）氏のファッションサミットでの講演は、特に的を射ていた。BOHプロジェクトの創設者であるチュウ氏は、長年中国と国際的なファッションの間で仕事をしており、中国のラグジュアリー市場の進化における最も目立つ声の一人となっている。彼のキャリアはファッション、コミュニケーション、モデリング、クリエイティブ制作に及び、ヨーロッパのラグジュアリーブランドが中国の消費者をどのように再考しなければならなかったかについて、特に有益な視点を提供している。

彼の話を聞いていると、中国のファッション市場はもはやヨーロッパの文脈で説明される必要はないという感覚を覚える。

おそらく、これこそが香港にとってのより大きな機会であろう。ファッションフェストは、第二のパリになる必要はない。第二の上海になる必要すらない。それはもっと有用なもの、つまり、アジアのファッションの様々な要素が出会う場所、デザイナーが製造業者や小売業者を見つけられる場所、国際的なブランドが単に売るだけでなく耳を傾ける場所、消費者が伝統的なラグジュアリーの枠外でファッションに出会える場所、そして文化と商業が同じテーブルに着くことが許される場所になり得るのだ。

しかし、それを実現するためには、フェスティバルは自らの直感を信じる必要がある。儀式は少し減らし、演台の後ろに立つ人々の写真は少なくする。より多様なデザイナーと、より多くのファッションを。

そして、おそらく時々は、上層部の承認なしに誰かがクールなパーティーを企画することを許容する自信も必要だろう。